Bagian dari kegembiraan melukis di abad ke-21 adalah berbagai bentuk ekspresi yang tersedia. Akhir abad 19 dan 20 melihat seniman membuat lompatan besar dalam gaya melukis. Banyak dari inovasi ini dipengaruhi oleh kemajuan teknologi, seperti penemuan tabung cat logam dan evolusi fotografi, serta perubahan dalam konvensi sosial, politik, dan filsafat, bersama dengan peristiwa dunia.
Daftar ini menguraikan tujuh gaya seni utama (kadang-kadang disebut sebagai "sekolah" atau "gerakan"), beberapa jauh lebih realistis daripada yang lain. Meskipun Anda tidak akan menjadi bagian dari gerakan orisinal — kelompok seniman yang umumnya berbagi gerakan yang sama melukis gaya dan ide selama waktu tertentu dalam sejarah — Anda masih bisa melukis dengan gaya yang mereka gunakan. Dengan mempelajari gaya-gaya ini dan melihat apa yang dibuat oleh para seniman di dalamnya dan kemudian bereksperimen dengan berbagai pendekatan sendiri, Anda dapat mulai mengembangkan dan memelihara gaya Anda sendiri.
Realisme, di mana subjek lukisan lebih menyerupai benda asli daripada menjadi bergaya atau abstrak, adalah gaya yang dipikirkan banyak orang. sebagai "seni sejati." Hanya ketika diperiksa dari dekat lakukan apa yang tampak sebagai warna solid mengungkapkan diri mereka sebagai serangkaian sapuan kuas dari banyak warna dan nilai-nilai.
Realisme telah menjadi gaya lukisan yang dominan sejak masa itu Renaisans. Seniman menggunakan perspektif untuk menciptakan ilusi ruang dan kedalaman, mengatur komposisi dan pencahayaan sedemikian rupa sehingga subjek tampak nyata. Leonardo da Vinci "Mona lisa"adalah contoh gaya klasik.
Gaya Painterly muncul sebagai Revolusi industri menyapu Eropa pada paruh pertama abad ke-19. Dibebaskan oleh penemuan tabung cat logam, yang memungkinkan seniman untuk keluar dari studio, para pelukis mulai fokus pada lukisan itu sendiri. Subjek diberikan secara realistis, namun, pelukis tidak berusaha menyembunyikan pekerjaan teknis mereka.
Seperti namanya, penekanannya adalah pada tindakan melukis: karakter dari sapuan kuas dan pigmen itu sendiri. Seniman yang bekerja dengan gaya ini jangan mencoba menyembunyikan apa yang digunakan untuk membuat lukisan dengan menghaluskan tekstur atau tanda yang tersisa di cat dengan kuas atau alat lain, seperti pisau palet. Lukisan-lukisan dari Henri Matisse adalah contoh luar biasa dari gaya ini.
Impresionisme muncul pada tahun 1880-an di Eropa, di mana seniman seperti Claude Monet berusaha menangkap cahaya, bukan melalui detail realisme, tetapi dengan gerakan dan ilusi. Anda tidak perlu terlalu dekat dengan lili air Monet atau bunga matahari Vincent Van Gogh untuk melihat goresan warna yang berani, namun, tidak ada keraguan apa yang Anda lihat.
Objek mempertahankan penampilan realistis mereka namun memiliki semangat tentang mereka yang unik untuk gaya ini. Sulit dipercaya bahwa ketika kaum Impresionis pertama kali menunjukkan karya-karya mereka, sebagian besar kritikus membenci dan menertawakannya. Apa yang dulu dianggap sebagai gaya lukisan yang belum selesai dan kasar sekarang dicintai dan dihormati.
Ekspresionisme dan Fauvisme adalah gaya serupa yang mulai muncul di studio dan galeri pada pergantian abad ke-20. Keduanya dicirikan oleh penggunaan warna-warna berani dan tidak realistis yang dipilih untuk tidak menggambarkan kehidupan sebagaimana adanya, melainkan, seperti yang dirasakan atau tampak oleh seniman.
Dua gaya berbeda dalam beberapa hal. Ekspresionis, termasuk Edvard Munch, berusaha menyampaikan keanehan dan kengerian dalam kehidupan sehari-hari, seringkali dengan sapuan kuas bergaya hiper dan gambar-gambar yang mengerikan, seperti yang biasa ia lakukan dalam efeknya lukisan "Jeritan."
Fauvists, meskipun menggunakan warna mereka secara novel, berusaha menciptakan komposisi yang menggambarkan kehidupan dalam sifat ideal atau eksotis. Pikirkan tentang penari yang bermain-main di Henri Matisse atau adegan pastoral George Braque.
Ketika dekade pertama abad ke-20 dibuka di Eropa dan Amerika, lukisan menjadi kurang realistis. Abstraksi adalah tentang melukis esensi dari suatu subjek ketika sang seniman menafsirkannya, dan bukan detail yang terlihat. Seorang pelukis dapat mengurangi subjek menjadi warna, bentuk, atau pola yang dominan Pablo Picasso lakukan dengan mural tiga musisi yang terkenal. Para pemain, semua garis dan sudut yang tajam, tidak terlihat sedikit pun nyata, namun tidak ada keraguan siapa mereka.
Atau seorang seniman dapat menghilangkan subjek dari konteksnya atau memperbesar skalanya, seperti yang dilakukan oleh Georgia O'Keeffe dalam karyanya. Bunga dan cangkangnya, yang dilucuti detail halusnya dan mengambang di latar belakang abstrak, dapat menyerupai pemandangan yang indah.
Karya abstrak murni, seperti banyak gerakan Abstrak Ekspresionis tahun 1950-an, secara aktif menjauhi realisme, bersenang-senang dalam pelukan subjektif. Subjek atau titik lukisan adalah warna yang digunakan, yaitu tekstur dalam karya seni, dan bahan yang digunakan untuk membuatnya.
Lukisan tetes Jackson Pollock mungkin terlihat seperti kekacauan besar bagi beberapa orang, tetapi tidak dapat disangkal yang mural seperti "Nomor 1 (Kabur Lavender)" memiliki kualitas kinetik yang dinamis yang dimiliki bunga. Seniman abstrak lainnya, seperti Mark Rothko, menyederhanakan subjek mereka untuk warna sendiri. Karya-karya bidang warna seperti karya agungnya tahun 1961 "Oranye, Merah, dan Kuning" hanyalah itu: tiga blok pigmen di mana Anda bisa kehilangan diri sendiri.
Fotorealisme berkembang pada akhir 1960-an dan 70-an sebagai reaksi terhadap Abstrak Ekspresionisme, yang telah mendominasi seni sejak 1940-an. Gaya ini sering tampak lebih nyata daripada kenyataan, di mana tidak ada detail yang ditinggalkan dan tidak ada cacat yang tidak signifikan.
Beberapa seniman menyalin foto dengan memproyeksikannya ke kanvas untuk secara akurat menangkap detail. Yang lain melakukannya sendiri atau menggunakan sistem kisi untuk memperbesar cetakan atau foto. Salah satu pelukis fotorealistik terkenal adalah Chuck Close, yang headshots seukuran mural dari seniman dan selebritas didasarkan pada foto.