54 Lukisan Terkenal Buatan Seniman Terkenal

Menjadi artis terkenal seumur hidup bukanlah jaminan bahwa artis lain akan mengingat Anda. Pernahkah Anda mendengar tentang pelukis Prancis Ernest Meissonier?

Dia kontemporer dengan Edouard Manet dan sejauh ini artis yang lebih sukses dalam hal pujian dan penjualan kritis. Kebalikannya juga benar, dengan Vincent van Gogh. Van Gogh mengandalkan saudaranya, Theo, untuk memberinya cat dan kanvas, namun hari ini lukisannya mencatat harga tertinggi setiap kali muncul di pelelangan seni, dan dia terkenal.

Melihat lukisan terkenal dulu dan sekarang bisa mengajari Anda banyak hal, termasuk komposisi dan penanganan cat. Meskipun mungkin pelajaran terpenting adalah bahwa Anda pada akhirnya harus melukis untuk diri sendiri, bukan untuk pasar atau anak cucu.

"Night Watch" - Rembrandt

Lukisan "Night Watch" oleh Rembrandt ada di Rijksmuseum di Amsterdam. Seperti yang ditunjukkan foto, ini adalah lukisan besar: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt menyelesaikannya pada tahun 1642. Judul aslinya adalah "Perusahaan Frans Banning Cocq dan Willem van Ruytenburch," tetapi lebih dikenal sebagai Jam malam. (Sebuah kompi menjadi penjaga milisi).

Komposisi lukisan itu sangat berbeda untuk periode tersebut. Alih-alih menampilkan sosok-sosok itu dengan cara yang rapi dan teratur, di mana setiap orang diberi keunggulan dan ruang yang sama di kanvas, Rembrandt justru melukis mereka sebagai kelompok yang sibuk beraksi.

Sekitar tahun 1715, sebuah perisai dilukis di "Night Watch" yang memuat nama-nama 18 orang, tetapi hanya beberapa nama yang pernah diidentifikasi. (Jadi ingatlah jika Anda melukis potret kelompok: gambarlah diagram di belakang dengan nama semua orang di masa depan generasi akan tahu!) Pada bulan Maret 2009, sejarawan Belanda Bas Dudok van Heel akhirnya mengungkap misteri siapa yang di lukisan. Penelitiannya bahkan menemukan item pakaian dan aksesori yang digambarkan dalam "Night Watch" yang disebutkan dalam inventaris perkebunan keluarga, yang kemudian dia susun dengan usia berbagai milisi pada tahun 1642, tahun lukisan itu lengkap.

Dudok van Heel juga menemukan bahwa di aula tempat "Night Watch" Rembrandt pertama kali digantung, ada enam kelompok. Potret seorang milisi awalnya dipajang dalam rangkaian yang berkesinambungan, bukan enam lukisan terpisah seperti yang sudah lama pikir. Sebaliknya, enam potret kelompok oleh Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart, dan Flinck membentuk dekorasi tak terputus yang masing-masing cocok satu sama lain dan dipasang di panel kayu ruangan. Atau, itulah niatnya. "Night Watch" karya Rembrandt tidak sesuai dengan lukisan lain baik komposisi maupun warnanya. Sepertinya Rembrandt tidak mematuhi ketentuan komisinya. Tapi kemudian, jika dia punya, kami tidak akan pernah memiliki potret kelompok abad ke-17 yang sangat berbeda ini.

"Kelinci" - Albrecht Dürer

Biasa disebut sebagai kelinci Dürer, judul resmi lukisan ini menyebutnya kelinci. Lukisan itu adalah koleksi permanen dari Koleksi Batliner dari Museum Albertina di Wina, Austria.

Itu dilukis menggunakan cat air dan guas, dengan sorotan putih dilakukan dengan guas (bukan menjadi putih kertas yang tidak dicat).

Ini adalah contoh spektakuler bagaimana bulu bisa dicat. Untuk menirunya, pendekatan yang Anda ambil bergantung pada seberapa besar kesabaran yang Anda miliki. Jika Anda memiliki jumlah besar sekali, Anda akan mengecat menggunakan sikat tipis, satu rambut pada satu waktu. Jika tidak, gunakan teknik sikat kering atau pisahkan rambut dengan sikat. Kesabaran dan daya tahan sangat penting. Bekerja terlalu cepat pada cat basah, dan setiap goresan berisiko tercampur. Jangan teruskan terlalu lama dan bulunya akan tampak tipis.

Lukisan Langit-langit Kapel Sistine - Michelangelo

Lukisan oleh Michelangelo tentang langit-langit Kapel Sistina adalah salah satu lukisan dinding paling terkenal di dunia.

Kapel Sistina adalah kapel besar di Istana Apostolik, kediaman resmi Paus (pemimpin Gereja Katolik) di Kota Vatikan. Ini memiliki banyak lukisan dinding yang dilukis di dalamnya, oleh beberapa nama terbesar Renaisans, termasuk lukisan dinding oleh Bernini dan Raphael, namun paling terkenal dengan lukisan dinding di langit-langit oleh Michelangelo.

Michelangelo lahir pada 6 Maret 1475 dan meninggal pada 18 Februari 1564. Ditugaskan oleh Paus Julius II, Michelangelo mengerjakannyalangit-langit Kapel Sistina dari Mei 1508 hingga Oktober 1512 (tidak ada pekerjaan yang dilakukan antara September 1510 dan Agustus 1511). Kapel ini diresmikan pada tanggal 1 November 1512, pada Pesta Semua Orang Suci.

Kapel ini memiliki panjang 40,23 meter, lebar 13,40 meter, dan langit-langit setinggi 20,70 meter di atas tanah pada titik tertingginya.¹. Michelangelo melukis serangkaian adegan Alkitab, nabi, dan nenek moyang Kristus, serta trompe l'oeil atau fitur arsitektur. Bagian utama dari langit-langit menggambarkan cerita dari cerita kitab Kejadian, termasuk penciptaan umat manusia, jatuhnya manusia dari rahmat, banjir, dan Nuh.

Plafon Kapel Sistine: Detail

Panel yang menunjukkan penciptaan manusia mungkin adalah pemandangan paling terkenal dalam lukisan dinding terkenal Michelangelo di langit-langit Kapel Sistina.

Kapel Sistina di Vatikan memiliki banyak lukisan dinding yang dilukis di dalamnya, namun yang paling terkenal adalah lukisan dinding di langit-langit karya Michelangelo. Restorasi ekstensif dilakukan antara 1980 dan 1994 oleh para ahli seni Vatikan, menghilangkan asap selama berabad-abad dari lilin dan pekerjaan restorasi sebelumnya. Ini mengungkapkan warna yang jauh lebih cerah dari yang diperkirakan sebelumnya.

Pigmen yang digunakan Michelangelo termasuk oker untuk merah dan kuning, silikat besi untuk hijau, lapis lazuli untuk biru, dan arang untuk hitam.¹ Tidak semuanya dicat sedetail mungkin saat pertama kali muncul. Misalnya, gambar di latar depan dilukis lebih detail daripada gambar di latar belakang, menambah kesan kedalaman di langit-langit.

Lebih lanjut tentang Kapel Sistina:

• Museum Vatikan: Kapel Sistina
• Tur Virtual Kapel Sistina

Sumber:
1 Museum Vatikan: Kapel Sistina, situs web Negara Kota Vatikan, diakses 9 September 2010.

Buku Catatan Leonardo da Vinci

Seniman Renaisans Leonardo da Vinci terkenal tidak hanya karena lukisannya tetapi juga buku catatannya. Foto ini menunjukkan salah satunya di V&A Museum di London.

Museum V&A di London memiliki lima buku catatan Leonardo da Vinci dalam koleksinya. Yang ini, yang dikenal sebagai Codex Forster III, digunakan oleh Leonardo da Vinci antara 1490 dan 1493 ketika dia bekerja di Milan untuk Duke Ludovico Sforza.

Ini adalah buku catatan kecil, jenis ukuran yang bisa Anda simpan dengan mudah di saku mantel. Itu diisi dengan segala macam ide, catatan, dan sketsa, termasuk "sketsa kaki kuda, gambar topi dan pakaian yang mungkin merupakan ide untuk kostum di pesta dansa, dan penjelasan tentang anatomi manusia kepala."¹ Meskipun Anda tidak dapat membalik halaman buku catatan di museum, Anda dapat membukanya secara online.

Membaca tulisan tangannya memang tidak mudah, antara gaya kaligrafi dan penggunaan mirror-writing (mundur, dari kanan ke kiri) tetapi beberapa merasa menarik untuk melihat bagaimana dia menempatkan semua jenis menjadi satu buku catatan. Ini adalah buku catatan yang berfungsi, bukan barang pameran. Jika Anda pernah khawatir bahwa file jurnal kreativitas entah bagaimana dilakukan atau diatur dengan benar, ambillah arahan Anda dari master ini: lakukan sesuai kebutuhan.

<sub>Sumber:
1. Jelajahi Kodeks Forster, Museum V&A. (Diakses 8 Agustus 2010.)</sub>

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciLukisan "Mona Lisa", di Louvre di Paris, bisa dibilang lukisan paling terkenal di dunia. Ini mungkin juga contoh yang paling terkenal dari sfumato, teknik melukis yang sebagian bertanggung jawab atas senyum misteriusnya.

Ada banyak spekulasi tentang siapa wanita dalam lukisan itu. Itu dianggap potret Lisa Gherardini, istri seorang pedagang kain Florentine bernama Francesco del Giocondo. (Penulis seni abad ke-16, Vasari, termasuk orang pertama yang menyarankan hal ini, dalam bukunya "Lives of the Artists"). Juga diduga alasan senyumnya adalah karena dia hamil.

Sejarawan seni tahu Leonardo telah memulai "Mona Lisa" pada tahun 1503, sebagai catatan dibuat pada tahun itu oleh seorang pejabat senior Florentine, Agostino Vespucci. Saat dia selesai, kurang bisa dipastikan. Louvre awalnya memberi tanggal lukisan itu ke 1503-06, tetapi penemuan yang dibuat pada tahun 2012 menunjukkan bahwa itu mungkin sebanyak dekade kemudian sebelum selesai berdasarkan latar belakang yang didasarkan pada gambar batuan yang diketahui pernah dilakukannya 1510-15.¹ Louvre mengubah tanggal menjadi 1503-19 pada Maret 2012.

Sumber:
1. Mona Lisa bisa saja diselesaikan satu dekade lebih lambat dari yang diperkirakan dalam The Art Newspaper, oleh Martin Bailey, 7 Maret 2012 (diakses 10 Maret 2012)

Pelukis Terkenal: Monet di Giverny

Foto Referensi untuk Lukisan: Monet's "Garden at Giverny."

Salah satu alasan pelukis impresionis Claude Monet begitu terkenal adalah lukisan pantulannya di kolam teratai yang ia buat di tamannya yang besar di Giverny. Itu menginspirasi selama bertahun-tahun, sampai akhir hidupnya. Dia membuat sketsa ide untuk lukisan yang terinspirasi oleh kolam, dan dia membuat lukisan kecil dan besar baik sebagai karya individu maupun seri.

Tanda Tangan Claude Monet

Contoh cara Monet menandatangani lukisannya adalah dari salah satu lukisan teratai miliknya. Anda dapat melihat dia menandatanganinya dengan nama dan nama belakang (Claude Monet) dan tahun (1904). Letaknya di pojok kanan bawah, cukup jauh sehingga tidak akan terpotong oleh bingkai.

Nama lengkap Monet adalah Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Lukisan karya Monet ini memberi nama pada gaya impresionis seni. Dia memamerkannya pada tahun 1874 di Paris dalam apa yang kemudian dikenal sebagai Pameran Impresionis Pertama.

Dalam ulasannya tentang pameran yang bertajuk "Pameran Impresionis", kritikus seni Louis Leroy mengatakan:

"Wallpaper dalam keadaan embrioniknya lebih sempurna dari pada pemandangan laut itu."

<sub>Sumber:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" oleh Louis Leroy, Le Charivari, 25 April 1874, Paris. Diterjemahkan oleh John Rewald di Sejarah Impresionisme, Moma, 1946, hlm.256-61; dikutip dalam Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History oleh Bruce Altshuler, Phaidon, hal42-43.</sub>

Seri "Haystacks" - Monet

Monet sering melukis serangkaian subjek yang sama untuk menangkap efek perubahan cahaya, bertukar kanvas seiring berjalannya hari.

Monet melukis banyak subjek lagi dan lagi, tetapi setiap lukisan serinya berbeda, apakah itu lukisan teratai atau tumpukan jerami. Karena lukisan Monet tersebar dalam koleksi di seluruh dunia, biasanya hanya dalam pameran-pameran khusus lukisan seri-nya dilihat sebagai satu kelompok. Untungnya, file Institut Seni di Chicago memiliki beberapa lukisan tumpukan jerami Monet dalam koleksinya, karena membuatnya mengesankan melihat bersama:

• Tumpukan Gandum
• Mencair, Matahari Terbenam
• Matahari Terbenam, Efek Salju
• Efek Salju, Hari Mendung
• Akhir musim panas

Pada Oktober 1890 Monet menulis surat kepada kritikus seni Gustave Geffroy tentang seri tumpukan jerami yang dia lukis, mengatakan:

"Aku bekerja keras, bekerja keras kepala pada serangkaian efek yang berbeda, tapi saat ini matahari terbenam begitu cepat sehingga mustahil untuk mengikutinya... semakin jauh yang saya dapatkan, semakin saya melihat bahwa banyak pekerjaan yang harus dilakukan untuk membuat apa yang saya cari: 'instan', 'amplop' di atas segalanya, cahaya yang sama menyebar ke segala hal... Saya semakin terobsesi dengan kebutuhan untuk memberikan apa yang saya alami, dan saya berdoa semoga saya memiliki beberapa tahun lagi yang tersisa untuk saya karena saya pikir saya mungkin membuat beberapa kemajuan ke arah itu... " ¹

<sup>Sumber: ​
1. Monet sendiri, hal172, diedit oleh Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Bunga Bakung" - Claude Monet

Claude Monet, "Bakung Air," c. 19140-17, minyak di atas kanvas. Ukuran 65 3/8 x 56 inci (166,1 x 142,2 cm). Dalam koleksi Museum Seni Rupa San Francisco.

Monet mungkin yang paling terkenal dari Impresionis, terutama untuk lukisan pantulan di kolam teratai di taman Giverny miliknya. Lukisan khusus ini menunjukkan sedikit awan di pojok kanan atas, dan bintik-bintik biru langit yang terpantul di air.

Jika Anda mempelajari foto-foto taman Monet, seperti kolam teratai Monet dan bunga lili ini, dan membandingkannya dengan lukisan ini, Anda akan merasakan bagaimana Monet mengurangi detail dalam seninya, termasuk hanya esensi adegan, atau kesan refleksi, air, dan bunga bakung bunga. Klik pada tautan "Lihat ukuran penuh" di bawah foto di atas untuk versi yang lebih besar yang lebih mudah untuk merasakan sapuan kuas Monet.

Penyair Prancis Paul Claudel berkata:

"Berkat air, [Monet] telah menjadi pelukis yang tidak dapat kita lihat. Dia membahas permukaan spiritual tak terlihat yang memisahkan cahaya dari refleksi. Airy blue captive of liquid azure... Warna muncul dari dasar air di awan, di pusaran air. "

^Sumber:
Halaman 262 Art of Our Century, oleh Jean-Louis Ferrier dan Yann Le Pichon

Tanda Tangan Camille Pissarro

Pelukis Camille Pissarro cenderung kurang terkenal dibandingkan banyak orang sezamannya (seperti Monet) tetapi memiliki tempat unik dalam garis waktu seni. Dia bekerja sebagai Impresionis dan Neo-Impresionis, serta mempengaruhi artis terkenal seperti Cézanne, Van Gogh, dan Gauguin. Dia adalah satu-satunya seniman yang memamerkan kedelapan film tersebut Pameran impresionis di Paris dari tahun 1874 hingga 1886.

Potret Diri Van Gogh (1886/1887)

Ini potret oleh Vincent Van Gogh ada dalam koleksi Institut Seni Chicago. Itu dilukis menggunakan gaya yang mirip dengan Pointillism tetapi tidak hanya menempel pada titik-titik saja.

Dalam dua tahun ia tinggal di Paris, dari tahun 1886 hingga 1888, Van Gogh melukis 24 potret diri. Institut Seni Chicago menggambarkan yang satu ini menggunakan "teknik titik" Seurat bukan sebagai metode ilmiah, tetapi "suatu bahasa emosional "di mana" titik-titik merah dan hijau mengganggu dan benar-benar sesuai dengan ketegangan saraf yang terlihat dalam karya van Gogh. tatapan."

Dalam sebuah surat beberapa tahun kemudian kepada saudara perempuannya, Wilhelmina, Van Gogh menulis:

"Akhir-akhir ini saya melukis dua gambar diri saya, yang salah satunya memiliki karakter yang sebenarnya, menurut saya, meskipun di Belanda mereka mungkin akan mencemooh ide-ide tentang lukisan potret yang sedang berkembang sini... Saya selalu berpikir foto itu menjijikkan, dan saya tidak suka ada di sekitar, terutama orang yang saya kenal dan cintai... potret fotografi lebih cepat layu daripada kita sendiri, sedangkan potret yang dilukis adalah sesuatu yang dirasakan, dilakukan dengan cinta atau rasa hormat kepada manusia yang digambarkan. "

Sumber:
Surat kepada Wilhelmina van Gogh, 19 September 1889

Tanda Tangan Vincent van Gogh

Kafe Malam oleh Van Gogh sekarang menjadi koleksi Galeri Seni Universitas Yale. Van Gogh diketahui hanya menandatangani lukisan-lukisan yang membuatnya puas, tetapi yang tidak biasa dalam lukisan ini adalah dia menambahkan judul di bawah tanda tangannya, "Le café de Nuit."
Perhatikan Van Gogh menandatangani lukisannya hanya dengan "Vincent", bukan "Vincent van Gogh" atau "Van Gogh."

Dalam sebuah surat kepada saudaranya Theo, yang ditulis pada 24 Maret 1888, dia berkata:

"Nanti nama saya harus dicantumkan di katalog saat saya menandatanganinya di kanvas, yaitu Vincent dan bukan Van Gogh, karena alasan sederhana mereka tidak tahu cara mengucapkan nama yang terakhir di sini."

"Di sini" menjadi Arles, di selatan Prancis.
Jika Anda bertanya-tanya bagaimana Anda mengucapkan Van Gogh, ingatlah itu nama keluarga Belanda, bukan Prancis atau Inggris. Jadi "Gogh" diucapkan, sehingga berima dengan "loch" Skotlandia. Ini bukan "goff" atau "go."

Malam Berbintang - Vincent van Gogh

Lukisan ini, yang mungkin merupakan lukisan paling terkenal oleh Vincent van Gogh, ada dalam koleksi di Museum Seni Modern di New York.
Van Gogh melukis Malam berbintang pada bulan Juni 1889, setelah menyebutkan bintang fajar dalam sepucuk surat kepada saudaranya Theo yang ditulis sekitar tanggal 2 Juni 1889: "Pagi ini saya melihat negara dari jendela saya jauh sebelum matahari terbit, hanya dengan bintang pagi, yang terlihat sangat besar. "Bintang pagi (sebenarnya planet Venus, bukan bintang) umumnya dianggap sebagai planet putih besar yang dilukis di kiri tengah lukisan.
Surat-surat Van Gogh sebelumnya juga menyebutkan bintang dan langit malam, dan keinginannya untuk melukisnya:

1. "Kapan saya bisa melakukan perjalanan langit berbintang, gambaran yang selalu ada dalam pikiran saya?" (Letter to Emile Bernard, c. 18 Juni 1888)
2. "Mengenai langit berbintang, saya terus berharap untuk melukisnya, dan mungkin suatu hari akan saya lakukan" (Letter to Theo van Gogh, c.26 September 1888).
3. "Saat ini saya benar-benar ingin melukis langit berbintang. Seringkali bagi saya malam itu masih lebih kaya warna daripada siang hari; memiliki rona violet, biru, dan hijau yang paling pekat. Andai saja Anda memperhatikannya, Anda akan melihat bahwa bintang-bintang tertentu berwarna kuning lemon, yang lain merah jambu atau hijau, biru, dan kecemerlangan lupa-saya-tidak... jelas bahwa menempatkan titik-titik putih kecil di atas biru-hitam tidak cukup untuk melukis langit berbintang. "(Surat kepada Wilhelmina van Gogh, 16 September 1888)

Restoran de la Sirene, di Asnieres - Vincent van Gogh

Lukisan karya Vincent van Gogh ini ada dalam koleksi Museum Ashmolean di Oxford, Inggris. Van Gogh melukisnya segera setelah dia tiba di Paris pada tahun 1887 untuk tinggal bersama saudaranya Theo di Montmartre, tempat Theo mengelola sebuah galeri seni.
Untuk pertama kalinya, Vincent terpapar lukisan Impresionis (khususnya Monet) dan bertemu dengan seniman seperti Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard, dan Pissarro. Dibandingkan dengan karya sebelumnya yang didominasi warna tanah gelap khas pelukis Eropa utara seperti Rembrandt, lukisan ini menunjukkan pengaruh para seniman tersebut terhadap dirinya.
Warna-warna yang dia gunakan menjadi lebih terang dan cerah, dan sapuan kuasnya menjadi lebih longgar dan lebih jelas. Lihatlah detail-detail dari lukisan ini, dan Anda akan melihat bagaimana dia menggunakan sapuan kecil warna murni, dipisahkan. Dia tidak memadukan warna di kanvas tetapi membiarkan ini terjadi di mata penonton. Dia sedang mencoba warna rusak pendekatan Impresionis.
Dibandingkan dengan lukisan-lukisannya yang kemudian, strip-strip warna tersebut diberi jarak, dengan latar belakang netral terlihat di antaranya. Dia belum menutupi seluruh kanvas dengan warna jenuh, atau memanfaatkan kemungkinan menggunakan kuas untuk menciptakan tekstur pada cat itu sendiri.

The Restaurant de la Sirene, di Asnieres oleh Vincent van Gogh (Detail)

Detail dari lukisan Van Gogh The Restaurant de la Sirene, di Asnieres (dalam koleksi Museum Ashmolean), menunjukkan bagaimana dia bereksperimen dengan sapuan kuas dan sapuan kuasnya setelah terpapar pada lukisan Impresionis dan Paris kontemporer lainnya artis.

"Empat Penari" - Edgar Degas

Edgar Degas, Empat Penari, c. 1899. Minyak di atas kanvas. Ukuran 59 1/2 x 71 inci (151.1 x 180.2 cm). Dalam Galeri Seni Nasional, Washington.

"Potret Ibu Artis" - Whistler

Ini mungkin lukisan paling terkenal dari Whistler. Judul lengkapnya adalah "Aransemen dalam Abu-abu dan Hitam No. 1, Potret Ibu Artis". Ibunya setuju untuk berpose untuk lukisan itu ketika model yang digunakan Whistler jatuh sakit. Dia awalnya memintanya untuk berpose berdiri, tetapi seperti yang Anda lihat, dia menyerah dan membiarkannya duduk.
Di dinding terukir oleh Whistler, "Black Lion Wharf." Jika Anda melihat dengan sangat hati-hati pada tirai di kiri atas Dari bingkai etsa, Anda akan melihat noda yang lebih terang, itulah simbol kupu-kupu yang digunakan Whistler untuk menandatangani lukisannya. Simbol itu tidak selalu sama, tetapi berubah, dan bentuknya digunakan untuk menentukan usia karya seninya. Diketahui dia mulai menggunakannya pada tahun 1869.

"Harapan II" - Gustav Klimt

"Siapa pun yang ingin mengetahui sesuatu tentang saya - sebagai seorang seniman, satu-satunya hal penting - harus melihat dengan cermat foto-foto saya dan mencoba melihat di dalamnya apa saya dan apa yang ingin saya lakukan." Klimt.

Gustav Klimt melukis Harapan II di atas kanvas tahun 1907/8 menggunakan cat minyak, emas, dan platina. Ini berukuran 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Lukisan itu adalah bagian dari koleksi Museum Seni Modern di New York.
Harapan II adalah contoh yang bagus dari Penggunaan daun emas oleh Klimt dalam lukisan dan gaya ornamennya yang kaya. Lihatlah cara dia melukis pakaian yang dikenakan oleh tokoh utama, bagaimana bentuknya yang abstrak dihiasi lingkaran namun kita masih 'membacanya' sebagai jubah atau gaun. Bagaimana di bagian bawah itu melebur menjadi tiga sisi lainnya.
Dalam biografi bergambar Klimt, kritikus seni Frank Whitford berkata:

Klimt "mengaplikasikan daun emas dan perak asli agar lebih mempertinggi kesan lukisan itu adalah benda berharga, bukan cermin jauh di mana alam dapat dilihat sekilas, tetapi artefak yang dibuat dengan hati-hati. " ²

Itu adalah simbolisme yang masih dianggap valid hingga saat ini mengingat emas masih dianggap sebagai komoditas yang berharga.
Klimt tinggal di Wina di Austria dan mendapatkan inspirasinya lebih banyak dari Timur daripada Barat, dari "sumber-sumber seperti Seni Bizantium, logam Mycenean, permadani dan miniatur Persia, mosaik gereja Ravenna, dan Jepang layar. " ³
Sumber:
1. Artis dalam Konteks: Gustav Klimt oleh Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), sampul belakang.
2. Ibid. p82.
3. Sorotan MoMA (Museum of Modern Art, New York, 2004), hal. 54

Tanda Tangan Picasso

Ini adalah tanda tangan dari Picasso pada lukisannya tahun 1903 (dari Periode Biru) berjudul "Peminum Absinthe."
Picasso bereksperimen dengan berbagai versi singkat dari namanya sebagai tanda tangan lukisannya, termasuk dilingkari inisial, sebelum mengatur pada "Pablo Picasso." Hari ini kita biasanya mendengar dia disebut sederhana "Picasso."

Nama lengkapnya adalah: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Sumber:
1. "A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism," oleh Natasha Staller. Yale University Press. Halaman p209.</sub>

"Peminum Absinthe" - Picasso

Lukisan ini dibuat oleh Picasso pada tahun 1903, selama Periode Biru (saat corak biru mendominasi lukisan Picasso; ketika dia berusia dua puluhan). Ini menampilkan seniman Angel Fernandez de Soto, yang lebih antusias berpesta dan minum daripada lukisannya¹, dan yang berbagi studio dengan Picasso di Barcelona pada dua kesempatan.
Lukisan itu dilelang pada Juni 2010 oleh Andrew Lloyd Webber Foundation setelah penyelesaian di luar pengadilan dicapai di AS atas kepemilikan, menyusul klaim keturunan bankir Jerman-Yahudi Paul von Mendelssohn-Bartholdy bahwa lukisan itu berada di bawah tekanan pada tahun 1930-an selama rezim Nazi di Jerman.

<sub>Sumber:
1. Rumah lelang Christie jumpa pers, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece," 17 Maret 2010.</sub>

"Tragedi" - Picasso

Pablo Picasso, The Tragedy, 1903. Minyak di atas kayu. Ukuran 41 7/16 x 27 3/16 inci (105,3 x 69 cm). Dalam Galeri Seni Nasional, Washington.

Itu dari Periode Biru, ketika lukisannya, seperti namanya, semuanya didominasi oleh warna biru.

Sketsa oleh Picasso untuk Lukisan "Guernica" -nya yang Terkenal

Saat merencanakan dan mengerjakan lukisan besarnya Guernica, Picasso melakukan banyak sketsa dan studi. Foto itu menunjukkan salah satu miliknya komposisi sketsa, yang dengan sendirinya tidak terlihat banyak, kumpulan garis coretan.

Alih-alih mencoba menguraikan apa saja berbagai hal itu dan di mana itu dalam lukisan terakhir, anggap saja itu sebagai singkatan Picasso. Sederhana pembuatan tanda untuk gambar yang dia pegang dalam pikirannya. Fokus pada bagaimana dia menggunakan ini untuk memutuskan di mana menempatkan elemen dalam lukisan, pada interaksi antara elemen-elemen ini.

"Guernica" - Picasso

Lukisan terkenal Picasso ini sangat besar: tinggi 11 kaki 6 inci dan lebar 25 kaki 8 inci (3,5 x 7,76 meter). Picasso melukisnya atas komisi Paviliun Spanyol pada Pameran Dunia 1937 di Paris. Ada di Museo Reina Sofia di Madrid, Spanyol.

"Potret de Mr Minguell" - Picasso

Picasso melakukan lukisan potret ini pada tahun 1901 ketika dia berusia 20 tahun. Subjek penjahit Catalan, Tn. Minguell, yang diyakini diperkenalkan oleh Picasso oleh pedagang seninya dan temannya Pedro Manach¹. Gaya tersebut menunjukkan pelatihan yang dimiliki Picasso dalam seni lukis tradisional, dan sejauh mana gaya lukisnya berkembang selama kariernya. Bahwa itu dilukis di atas kertas adalah tanda bahwa itu dilakukan pada saat Picasso bangkrut, belum mendapatkan cukup uang dari seninya untuk melukis di atas kanvas.

Picasso memberi Minguell lukisan itu sebagai hadiah, tetapi kemudian membelinya kembali dan masih memilikinya ketika dia meninggal pada tahun 1973. Lukisan itu diletakkan di atas kanvas dan kemungkinan juga dipulihkan di bawah bimbingan Picasso "sekitar sebelum 1969"², ketika difoto untuk sebuah buku oleh Christian Zervos di Picasso.

Lain kali Anda berada dalam salah satu argumen pesta makan malam tentang bagaimana semua pelukis non-realis hanya melukis abstrak, kubis, fauvist, impresionis, pilih gaya Anda karena mereka tidak dapat membuat "lukisan asli", tanyakan orang tersebut apakah mereka memasukkan Picasso ke dalam kategori ini (sebagian besar melakukannya), lalu sebutkan lukisan ini.

_{Sumber:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Detail Lot Impresionis dan Seni Modern Sale 22 Juni 2010. (Diakses 3 Juni 2010.)}

"Dora Maar" atau "Tête De Femme" - Picasso

Saat dijual di lelang pada bulan Juni 2008, lukisan karya Picasso ini dijual seharga £ 7.881.250 (US $ 15.509.512). Perkiraan pelelangan adalah tiga sampai lima juta pound.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Lukisan besar (hampir delapan kaki persegi) karya Picasso ini digembar-gemborkan sebagai salah satu karya seni modern terpenting yang pernah dibuat, jika tidak itu yang terpenting, lukisan penting dalam perkembangan seni rupa modern. Lukisan itu menggambarkan lima wanita - pelacur di rumah bordil - tetapi ada banyak perdebatan tentang apa artinya semua itu dan semua referensi serta pengaruh di dalamnya.
Kritikus seni Jonathan Jones¹ mengatakan:

"Apa yang mengejutkan Picasso tentang topeng Afrika [terlihat pada wajah sosok di sebelah kanan] adalah hal yang paling jelas: bahwa mereka menyamarkan Anda, mengubah Anda menjadi sesuatu yang lain - binatang, iblis, a Tuhan. Modernisme adalah seni yang memakai topeng. Itu tidak mengatakan apa artinya; itu bukan jendela tapi dinding. Picasso memilih pokok bahasannya justru karena itu klise: dia ingin menunjukkan bahwa orisinalitas dalam seni tidak terletak pada narasi, atau moralitas, tetapi dalam penemuan formal. Inilah mengapa salah kaprah untuk melihat Les Demoiselles d'Avignon sebagai lukisan 'tentang' bordil, pelacur atau kolonialisme. "

Sumber:
1. Punks Pablo oleh Jonathan Jones, Penjaga, 9 Januari 2007.

"Wanita dengan Gitar" - Georges Braque

Georges Braque, Wanita dengan Gitar, 1913. Minyak dan arang di atas kanvas. 51 1/4 x 28 3/4 inci (130 x 73 cm). Di Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

Studio Merah - Henri Matisse

Lukisan ini ada dalam koleksi Museum Seni Modern (Moma) di New York. Ini menunjukkan interior studio lukis Matisse, dengan perspektif datar atau satu bidang gambar. Dinding studionya sebenarnya tidak merah, tapi putih; dia menggunakan warna merah dalam lukisannya untuk efek.
Dipajang di studionya adalah berbagai karya seni dan perabot studionya. Garis besar furnitur di studionya adalah garis-garis pada cat yang menampakkan warna dari lapisan bawah, kuning dan biru, bukan di atas merah.

1. "Garis miring menunjukkan kedalaman, dan cahaya biru kehijauan di jendela memperkuat kesan ruang interior, tetapi hamparan warna merah meratakan gambar. Matisse mempertinggi efek ini dengan, misalnya, menghilangkan garis vertikal dari sudut ruangan. "
- MoMA Highlights, diterbitkan oleh Moma, 2004, halaman 77.

2. "Semua elemen... menenggelamkan identitas individu mereka dalam apa yang menjadi meditasi berkepanjangan pada seni dan kehidupan, ruang, waktu, persepsi dan sifat realitas itu sendiri... persimpangan jalan untuk lukisan Barat, di mana seni klasik yang tampak ke luar, sebagian besar representasi dari masa lalu bertemu dengan etos sementara, yang terinternalisasi dan mengacu pada diri sendiri di masa depan... "
- Hilary Spurling`` halaman 81.

Tarian - Henri Matisse

Foto atas menunjukkan lukisan Matisse yang telah selesai berjudul Tarian, selesai pada tahun 1910 dan sekarang disimpan di Museum State Hermitage di St Petersburg, Rusia. Foto bawah menunjukkan studi komposisi ukuran penuh yang dia buat untuk lukisan itu, sekarang masuk MOMA di New York, AS. Matisse melukisnya atas komisi dari kolektor seni Rusia Sergei Shchukin.
Ini adalah lukisan besar, lebar hampir empat meter dan tinggi dua setengah meter (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), dan dicat dengan palet terbatas pada tiga warna: merah, hijau, dan biru. Saya pikir itu adalah lukisan yang menunjukkan mengapa Matisse memiliki reputasi seperti pewarna, terutama ketika Anda membandingkan studi dengan lukisan terakhir dengan sosoknya yang bercahaya.
Dalam biografinya tentang Matisse (di halaman 30), Hilary Spurling mengatakan:

"Mereka yang melihat versi pertama Menari menggambarkannya sebagai pucat, halus, bahkan seperti mimpi, dilukis dengan warna-warna yang ditinggikan... dalam versi kedua menjadi dekorasi datar yang garang dari sosok-sosok vermilion yang bergetar di antara garis-garis hijau cerah dan langit. Orang-orang sezaman melihat lukisan itu sebagai lukisan pagan dan Dionysian. "

Perhatikan perspektif yang diratakan, bagaimana figur-figur itu memiliki ukuran yang sama daripada yang lebih jauh dari yang lebih kecil seperti yang terjadi dalam perspektif atau penyortiran untuk lukisan representasional. Bagaimana garis antara biru dan hijau di belakang sosok itu melengkung, menggemakan lingkaran sosok itu.

"Permukaan diwarnai hingga saturasi, ke titik di mana biru, gagasan biru mutlak, hadir secara meyakinkan. Hijau cerah untuk bumi dan warna merah terang untuk tubuh. Dengan ketiga warna ini saya memiliki harmoni cahaya dan juga kemurnian nada. "- Matisse

Sumber:
"Pengantar Pameran Dari Rusia untuk Guru dan Siswa" oleh Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Pelukis Terkenal: Willem de Kooning

Pelukis Willem de Kooning lahir di Rotterdam, Belanda pada 24 Agustus 1904, dan meninggal di Long Island, New York, pada 19 Maret 1997. De Kooning magang di perusahaan seni dan dekorasi komersial ketika dia berusia 12 tahun dan menghadiri kelas malam di Akademi Seni dan Teknik Rotterdam selama delapan tahun. Ia beremigrasi ke Amerika Serikat pada tahun 1926 dan mulai melukis penuh waktu pada tahun 1936.

Gaya lukisan De Kooning adalah Abstrak Ekspresionisme. Ia menggelar pameran tunggalnya yang pertama di Galeri Charles Egan di New York pada tahun 1948, dengan karya seni cat enamel hitam-putih. (Dia mulai menggunakan cat enamel karena dia tidak mampu membeli pigmen artis.) Pada tahun 1950-an dia dikenal sebagai salah satu pemimpin Abstrak Ekspresionisme, meskipun beberapa gaya puritan berpikir lukisannya (seperti -nya Wanita seri) termasuk memasukkan terlalu banyak dari bentuk manusia.

Lukisannya mengandung banyak lapisan, elemen yang tumpang tindih dan tersembunyi saat dia mengerjakan ulang dan mengerjakan ulang lukisan. Perubahan diizinkan untuk ditampilkan. Dia menggambar kanvasnya dengan arang secara ekstensif, untuk komposisi awal dan saat melukis. Sapuan kuasnya gestural, ekspresif, liar, dengan rasa energi di balik sapuannya. Sekilas lukisan terakhir selesai tetapi belum.

Hasil artistik De Kooning berlangsung hampir tujuh dekade dan termasuk lukisan, patung, gambar, dan cetakan. Sumber lukisan terakhirnya pada akhir 1980-an. Lukisannya yang paling terkenal adalah Malaikat Merah Muda (c. 1945), Penggalian (1950), dan yang ketiga Wanita seri (1950-53) dilakukan dengan gaya yang lebih pelukis dan pendekatan improvisasi. Pada 1940-an ia bekerja secara simultan dalam gaya abstrak dan representasi. Terobosannya datang dengan komposisi abstrak hitam-putih tahun 1948-1949. Pada pertengahan 1950-an ia melukis abstraksi perkotaan, kembali ke figuration pada 1960-an, kemudian ke abstraksi gestural besar pada 1970-an. Pada 1980-an, de Kooning berubah menjadi bekerja pada permukaan yang halus, melapisi dengan warna-warna cerah dan transparan di atas potongan-potongan gambar gerak.

American Gothic - Grant Wood

American Gothic mungkin yang paling terkenal dari semua lukisan seniman Amerika Grant Wood yang pernah dibuat. Sekarang di Institut Seni Chicago.

Grant Wood melukis "American Gothic" pada tahun 1930. Ini menggambarkan seorang pria dan putrinya (bukan istrinya¹) berdiri di depan rumah mereka. Grant melihat gedung yang mengilhami lukisan di Eldon, Iowa. Gaya arsitekturnya adalah American Gothic, di situlah lukisan itu mendapatkan judulnya. Model lukisan itu adalah saudara perempuan Wood dan dokter gigi mereka.². Lukisan itu ditandatangani di dekat tepi bawah, di overall pria itu, dengan nama artis dan tahun (Grant Wood 1930).

Apa arti lukisan itu? Wood bermaksud agar itu menjadi rendering yang bermartabat dari karakter orang Amerika Barat Tengah, yang menunjukkan etika Puritan mereka. Tapi itu bisa dikatakan sebagai komentar (sindiran) tentang intoleransi penduduk pedesaan terhadap pihak luar. Simbolisme dalam lukisan itu meliputi kerja paksa (garpu rumput) dan kerumahtanggaan (pot bunga dan celemek cetak kolonial). Jika Anda melihat lebih dekat, Anda akan melihat tiga cabang garpu rumput bergema di jahitan overall pria itu, melanjutkan garis-garis di bajunya.

^{Sumber:
American Gothic, Art Institute of Chicago, diakses pada 23 Maret 2011.}

"Kristus dari Santo Yohanes dari Salib" - Salvador Dali

Lukisan ini oleh Salvador Dali ada dalam koleksi Galeri dan Museum Seni Kelvingrove di Glasgow, Skotlandia. Ini pertama kali dipamerkan di galeri pada tanggal 23 Juni 1952. Lukisan itu dibeli seharga £ 8.200, yang dianggap sebagai harga tinggi meskipun termasuk hak ciptanya yang memungkinkan galeri mendapatkan biaya reproduksi (dan menjual kartu pos yang tak terhitung jumlahnya!).
Tidak lazim bagi Dali untuk menjual hak cipta lukisan, tetapi dia membutuhkan uang. (Hak cipta tetap pada artis kecuali sudah ditandatangani, lihat FAQ Hak Cipta Artis.)

"Rupanya dalam kesulitan keuangan, Dali awalnya meminta £ 12.000 tetapi setelah beberapa tawar-menawar yang sulit... ia menjualnya hampir sepertiga lebih murah dan menandatangani surat ke kota [Glasgow] pada tahun 1952 yang menyerahkan hak cipta.

Judul lukisan tersebut mengacu pada gambar yang menginspirasi Dali. Gambar pena dan tinta dilakukan setelah penglihatan Santo Yohanes dari Salib (seorang biarawan Karmelit Spanyol, 1542-1591) di mana dia melihat penyaliban Kristus seolah-olah dia melihatnya dari atas. Komposisinya mencolok karena sudut pandangnya yang tidak biasa tentang penyaliban Kristus, pencahayaannya sangat dramatis bayangan, dan penggunaan yang bagus dari foreshortening pada gambar. Pemandangan di bagian bawah lukisan adalah pelabuhan kampung halaman Dali, Port Lligat di Spanyol.
Lukisan itu menjadi kontroversial dalam banyak hal: jumlah yang dibayarkan untuk itu; materi pelajaran; gaya (yang tampak retro daripada modern). Baca lebih lanjut tentang lukisan itu di situs web galeri.

Sumber:
"Kasus Nyata Gambar Dali dan Lisensi Battle Over Artistic"oleh Severin Carrell, Penjaga, 27 Januari 2009

Kaleng Sup Campbell - Andy Warhol

Detail dari Andy Warhol Kaleng Sup Campbell. Akrilik di atas kanvas. 32 lukisan, masing-masing berukuran 20x16 "(50.8x40.6cm). Dalam koleksi Museum Seni Modern (MoMA) di New York.
Warhol pertama kali memamerkan rangkaian lukisan kaleng sup Campbellnya pada tahun 1962, dengan bagian bawah setiap lukisan diletakkan di rak seperti kaleng di supermarket. Ada 32 lukisan dalam seri, jumlah jenis sup yang dijual oleh Campbell saat itu.
Jika Anda membayangkan Warhol mengisi dapurnya dengan kaleng sup, lalu makan sekaleng saat dia selesai melukis, sepertinya tidak. Menurut situs web Moma, Warhol menggunakan daftar produk dari Campbell untuk memberikan rasa yang berbeda pada setiap lukisan.
Ketika ditanya tentang itu, Warhol berkata:

"Saya dulu meminumnya. Saya biasa makan siang yang sama setiap hari, selama dua puluh tahun, saya rasa, hal yang sama berulang kali. "¹

Warhol juga tampaknya tidak memiliki pesanan yang dia inginkan untuk menampilkan lukisan. Moma menampilkan lukisan "dalam baris yang mencerminkan urutan kronologis saat [sup] diperkenalkan, dimulai dengan 'Tomat' di kiri atas, yang memulai debutnya pada tahun 1897."

Jadi jika Anda melukis sebuah seri dan ingin mereka ditampilkan dalam urutan tertentu, pastikan Anda mencatatnya di suatu tempat. Tepi belakang kanvas mungkin yang terbaik karena tidak akan lepas dari lukisan (meskipun mungkin tersembunyi jika lukisan dibingkai).
Warhol adalah seniman yang sering disebut-sebut oleh pelukis yang ingin membuat karya turunan. Ada dua hal yang perlu diperhatikan sebelum melakukan hal serupa:

1. Di Situs web Moma, ada indikasi lisensi dari Campbell's Soup Co (yaitu, perjanjian lisensi antara perusahaan sup dan perkebunan artis).
2. Penegakan hak cipta tampaknya tidak terlalu menjadi masalah di zaman Warhol. Jangan membuat asumsi hak cipta berdasarkan karya Warhol. Lakukan penelitian Anda dan putuskan apa tingkat kekhawatiran Anda tentang kemungkinan kasus pelanggaran hak cipta.

Campbell tidak menugaskan Warhol untuk mengerjakan lukisan (meskipun mereka kemudian menugaskan satu untuk pensiunan ketua dewan pada tahun 1964) dan memiliki kekhawatiran ketika merek tersebut muncul di lukisan Warhol pada tahun 1962, mengadopsi pendekatan tunggu dan lihat untuk menilai apa tanggapan terhadap lukisan. Pada tahun 2004, 2006, dan 2012 Campbell menjual kaleng dengan label peringatan khusus Warhol.

<sub>Sumber:
1. Seperti yang dikutip pada Moma, diakses 31 Agustus 2012.</sub>

Pohon Lebih Besar Dekat Warter - David Hockney

Puncak: Artis David Hockney berdiri di samping bagian dari lukisan cat minyaknya "Pohon Lebih Besar Dekat Warter", yang dia sumbangkan ke Tate Britain pada April 2008.
Bawah: Lukisan itu pertama kali dipamerkan di Pameran Musim Panas 2007 di Royal Academy di London, menempati seluruh dinding.
Lukisan cat minyak David Hockney "Bigger Trees Near Warter" (juga disebut Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) menggambarkan pemandangan di dekat Bridlington di Yorkshire. Lukisan itu terbuat dari 50 kanvas yang disusun berdampingan. Jika digabungkan, ukuran keseluruhan lukisan itu adalah 40x15 kaki (4,6x12 meter).
Pada saat Hockney melukisnya, itu adalah karya terbesar yang pernah dia selesaikan, meskipun bukan yang pertama dia buat menggunakan banyak kanvas.

" Saya melakukan ini karena saya menyadari saya bisa melakukannya tanpa tangga. Saat Anda melukis, Anda harus bisa melangkah mundur. Nah, ada artis yang terbunuh mundur dari tangga, bukan?"
- Hockney dikutip dalam a Reuter laporan berita, 7 April 2008.

Hockney menggunakan gambar dan komputer untuk membantu komposisi dan lukisan. Setelah satu bagian selesai, sebuah foto diambil sehingga dia bisa melihat seluruh lukisan di komputer.

"Pertama, Hockney membuat sketsa kisi yang menunjukkan bagaimana pemandangan itu akan cocok bersama lebih dari 50 panel. Kemudian dia mulai mengerjakan panel individu di tempat. Saat dia mengerjakannya, mereka difoto dan dibuat menjadi mosaik komputer sehingga dia bisa memetakan kemajuannya, karena dia hanya bisa memiliki enam panel di dinding pada satu waktu. "

Sumber:
Charlotte Higgins, Wali koresponden seni, Hockney menyumbangkan pekerjaan besar untuk Tate, 7 April 2008.

Lukisan Perang Henry Moore

Itu Pameran Henry Moore di Galeri Tate Britain di London berlangsung dari 24 Februari hingga 8 Agustus 2010.

Seniman Inggris Henry Moore paling terkenal dengan pahatannya, tetapi juga dikenal dengan tinta, lilin, dan lukisan cat air orang-orang yang berlindung di stasiun Bawah Tanah London selama Perang Dunia Kedua. Moore adalah Artis Perang Resmi, dan tahun 2010 Pameran Henry Moore di Tate Britain Gallery memiliki ruangan khusus untuk ini. Dibuat antara musim gugur 1940 dan musim panas 1941, penggambarannya tentang sosok yang sedang tidur meringkuk di dalam kereta terowongan menangkap rasa kesedihan yang mengubah reputasinya dan memengaruhi persepsi populer tentang Menggempur. Karyanya di tahun 1950-an mencerminkan dampak perang dan prospek konflik lebih lanjut.
Moore lahir di Yorkshire dan belajar di Sekolah Seni Leeds pada tahun 1919, setelah bertugas di Perang Dunia Pertama. Pada tahun 1921 ia memenangkan beasiswa ke Royal College di London. Dia kemudian mengajar di Royal College serta Chelsea School of Art. Sejak 1940 Moore tinggal di Perry Green di Hertfordshire, sekarang rumah bagi Yayasan Henry Moore. Pada Venice Biennale 1948, Moore memenangkan Penghargaan Patung Internasional.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" oleh Chuck Close, 1969. Akrilik di atas kanvas. Ukuran 108 x 84 x 3 inci (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Dalam Institut Seni Minneapolis.

Potret Diri dan Potret Foto Lucian Freud

Artis Lucian Freud terkenal karena tatapannya yang intens dan tak kenal ampun, tetapi seperti yang ditunjukkan oleh potret diri ini, dia mengubahnya pada dirinya sendiri, bukan hanya modelnya.

1. "Saya pikir potret yang bagus ada hubungannya dengan... perasaan dan individualitas dan intensitas perhatian dan fokus pada yang spesifik. " ¹
2. "... Anda harus mencoba melukis diri Anda sendiri sebagai orang lain. Dengan potret diri 'rupa' menjadi hal yang berbeda. Saya harus melakukan apa yang saya rasakan tanpa menjadi seorang ekspresionis. " ²

<sup>Sumber:
1. Lucian Freud, dikutip dalam Freud at Work hal32-3. 2. Lucian Freud dikutip dalam Lucian Freud oleh William Feaver (Tate Publishing, London 2002), hal43.</sup>

"The Father Of Mona Lisa" - Man Ray

"The Father Of Mona Lisa" oleh Man Ray, 1967. Reproduksi gambar dipasang pada papan serat, dengan ditambahkan cerutu. Ukuran 18 x 13 5/8 x 2 5/8 inci (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Dalam koleksi Museum Hirshorn.
Banyak orang mengasosiasikan Man Ray hanya dengan fotografi, tapi dia juga seorang seniman dan pelukis. Dia berteman dengan artis Marcel Duchamp dan bekerja sama dengannya.
Pada Mei 1999, Berita Seni Majalah memasukkan Man Ray dalam daftar 25 seniman paling berpengaruh abad ke-20, untuk fotografi dan "eksplorasi film, lukisan, patung, kolase, kumpulan. Prototipe ini pada akhirnya akan disebut seni pertunjukan dan seni konseptual. "

Art News mengatakan:

"Man Ray menawarkan seniman di semua media contoh kecerdasan kreatif yang, dalam 'mengejar kesenangan dan kebebasan' [panduan yang dinyatakan Man Ray Prinsip-prinsip] membuka setiap pintu yang datang dan berjalan dengan bebas ke mana pun ia mau. "(Sumber Kutipan: Art News, Mei 1999," Willful Provocateur "oleh AD Coleman.)

Karya ini, "The Father of Mona Lisa", menunjukkan bagaimana ide yang relatif sederhana bisa efektif. Bagian tersulit adalah mendapatkan ide di tempat pertama; terkadang mereka datang sebagai kilatan inspirasi; terkadang sebagai bagian dari brainstorming ide; terkadang dengan mengembangkan dan mengejar konsep atau pemikiran.

Pelukis Terkenal: Yves Klein

Retrospektif: Pameran Yves Klein di Museum Hirshhorn di Washington, AS, dari 20 Mei 2010 hingga 12 September 2010.

Seniman Yves Klein mungkin paling terkenal dengan karya seni monokromatiknya yang menampilkan warna biru khususnya (lihat "Kuas Hidup" misalnya). IKB atau International Klein Blue adalah biru laut yang ia formulasikan.

Menyebut dirinya sebagai "pelukis ruang", Klein berusaha mencapai spiritualitas non-materi melalui warna murni "dan memusatkan perhatian pada" gagasan kontemporer tentang sifat konseptual seni "¹.

Klein memiliki karir yang relatif singkat, kurang dari sepuluh tahun. Karya publik pertamanya adalah buku seniman Yves Peintures ("Yves Paintings"), diterbitkan pada tahun 1954. Pameran publik pertamanya dilakukan pada tahun 1955. Dia meninggal karena serangan jantung pada tahun 1962, dalam usia 34 tahun. (Garis Waktu Kehidupan Klein dari Arsip Yves Klein.)

<sub>Sumber:
1. Yves Klein: Dengan Void, Kekuatan Penuh, Museum Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, diakses 13 Mei 2010.</sub>

"Kuas Hidup" - Yves Klein

Lukisan ini oleh seniman Prancis Yves Klein (1928-1962) adalah salah satu seri yang dia gunakan "kuas hidup". Dia menutupi model wanita telanjang dengan cat biru khasnya (Internasional Klein Blue, IKB) dan kemudian dalam karya seni pertunjukan di depan penonton "dilukis" bersama mereka di atas kertas besar dengan mengarahkan mereka secara lisan.
Judul "ANT154" diambil dari komentar kritikus seni rupa, Pierre Restany, yang mendeskripsikan lukisan diproduksi sebagai "antropometri periode biru." Klein menggunakan singkatan ANT sebagai sebuah seri judul.

Lukisan Hitam - Ad Reinhardt

"Ada sesuatu yang salah, tidak bertanggung jawab dan tidak peduli tentang warna; sesuatu yang tidak mungkin dikendalikan. Kontrol dan rasionalitas adalah bagian dari moralitas saya. " - Ad Reinhard pada tahun 1960 ¹

Lukisan monokrom karya seniman Amerika Ad Reinhardt (1913-1967) ini ada di Museum of Modern Art (Moma) di New York. Ini 60x60 "(152.4x152.4cm), minyak di atas kanvas, dan dicat 1960-61. Selama dekade terakhir dan sedikit dalam hidupnya (dia meninggal pada tahun 1967), Reinhardt hanya menggunakan warna hitam dalam lukisannya.
Amy Sia, yang mengambil foto tersebut, mengatakan bahwa petugas tersebut menunjukkan bagaimana lukisan itu dibagi menjadi sembilan kotak, masing-masing memiliki warna hitam yang berbeda.
Jangan khawatir jika Anda tidak bisa melihatnya di foto. Sulit untuk dilihat bahkan saat Anda berada di depan lukisan itu. Dalam dirinya esai tentang Reinhardt untuk Guggenheim, Nancy Spector mendeskripsikan kanvas Reinhardt sebagai "kotak hitam tanpa suara yang berisi bentuk salib yang nyaris tak terlihat [yang] menantang batas visibilitas" ².
<sup>Sumber:
1. Warna dalam Seni oleh John Gage, hal.205
2. Reinhardt oleh Nancy Spector, Guggenheim Museum (Diakses 5 Agustus 2013)</sup>

Lukisan London John Virtue

Seniman Inggris John Virtue telah melukis lanskap abstrak hanya dengan hitam dan putih sejak 1978. Pada DVD yang diproduksi oleh Galeri Nasional London, Virtue mengatakan bekerja dalam warna hitam dan putih memaksanya "menjadi inventif… untuk menemukan kembali." Menghindari warna "semakin dalam perasaan saya tentang warna apa yang ada... Pengertian sebenarnya dari apa yang saya lihat... paling baik dan lebih akurat dan lebih tersampaikan dengan tidak memiliki palet minyak cat. Warnanya seperti cul de sac. "
Ini adalah salah satu lukisan John Virtue di London, dibuat saat dia menjadi seniman asosiasi di Galeri Nasional (dari 2003 hingga 2005). Itu Situs web Galeri Nasional mendeskripsikan lukisan Virtue sebagai memiliki "kesamaan dengan lukisan kuas oriental dan ekspresionisme abstrak Amerika" dan berkaitan erat dengan "bahasa Inggris yang agung. pelukis lanskap, Turner dan Constable, yang sangat dikagumi Virtue "serta dipengaruhi oleh" lanskap Belanda dan Flemish di Ruisdael, Koninck dan Rubens ".
Kebajikan tidak memberi judul pada lukisannya, hanya angka. Dalam sebuah wawancara di terbitan April 2005 Artis dan Ilustrator majalah, Virtue mengatakan dia mulai menghitung karyanya secara kronologis pada tahun 1978 ketika dia mulai bekerja dalam monokrom:

"Tidak ada hierarki. Tidak masalah apakah itu 28 kaki atau tiga inci. Ini adalah buku harian non-verbal tentang keberadaan saya. "

Lukisannya hanya disebut "Landscape No.45" atau "Landscape No.630" dan seterusnya.

Art Bin - Michael Landy

Pameran Art Bin oleh seniman Michael Landy berlangsung di Galeri London Selatan dari 29 Januari hingga 14 Maret 2010. Konsepnya sangat besar (600m³) tempat sampah yang dibangun di dalam ruang galeri, tempat seni dibuang, "monumen kegagalan kreatif"¹.
Tapi bukan sembarang seni kuno; Anda harus mendaftar untuk membuang karya seni Anda ke tempat sampah, baik secara online atau di galeri, dengan Michael Landy atau salah satu perwakilannya yang memutuskan apakah itu dapat dimasukkan atau tidak. Jika diterima, itu dibuang ke tempat sampah dari menara di salah satu ujungnya.

Ketika saya berada di pameran, beberapa potongan dilemparkan, dan orang yang melempar telah melakukannya banyak latihan dari cara dia bisa membuat satu lukisan meluncur tepat ke sisi lain wadah.
Interpretasi seni menuju ke jalur kapan / mengapa seni dianggap baik (atau sampah), subjektivitas dalam nilai yang dikaitkan dengan seni, tindakan mengoleksi seni, kekuatan kolektor seni dan galeri untuk membuat atau menghancurkan karya seniman karir.

Sangat menarik untuk berjalan di sepanjang sisi melihat apa yang telah dilemparkan, apa yang pecah (banyak potongan polistiren), dan apa yang tidak (kebanyakan lukisan di atas kanvas masih utuh). Di suatu tempat di bagian bawah, ada cetakan tengkorak besar yang dihias dengan kaca oleh Damien Hirst dan sepotong oleh Tracey Emin. Akhirnya, apa yang bisa didaur ulang (misalnya tandu kertas dan kanvas) dan sisanya akan dibuang ke tempat pembuangan sampah. Dikuburkan sebagai sampah, kemungkinan besar tidak akan digali berabad-abad dari sekarang oleh seorang arkeolog.

_{Sumber:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), situs web Galeri London Selatan, diakses 13 Maret 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Lukisan politikus AS Barack Obama, kolase stensil campuran media, dibuat oleh seniman jalanan yang berbasis di Los Angeles, Shepard Fairey. Itu adalah gambar potret utama yang digunakan dalam kampanye pemilihan presiden 2008 Obama, dan didistribusikan sebagai cetakan edisi terbatas dan unduhan gratis. Sekarang lukisan itu ada di Galeri Potret Nasional di Washington DC.

1. "Untuk membuat poster Obama (yang dia buat dalam waktu kurang dari seminggu), Fairey mengambil foto berita dari kandidat tersebut dari Internet. Dia mencari Obama yang tampak seperti presiden... Seniman kemudian menyederhanakan garis dan geometri, menggunakan palet patriotik merah, putih dan biru (yang ia mainkan dengan membuat warna putih menjadi krem ​​dan biru menjadi warna pastel)... kata dengan huruf tebal ...
2. "Poster Obama-nya (dan banyak dari karya seni dan komersialnya) adalah pengerjaan ulang dari teknik propagandis revolusioner - warna-warna cerah, huruf tebal, kesederhanaan geometris, pose heroik. "

Sumber: ​
"Dukungan di Dinding Obama" oleh William Booth, Washington Post 18 Mei 2008.

"Requiem, Mawar Putih dan Kupu-kupu" - Damien Hirst

Seniman Inggris Damien Hirst paling terkenal dengan hewan yang diawetkan dalam formaldehida, tetapi di awal 40-an kembali ke lukisan cat minyak. Pada Oktober 2009 ia memamerkan lukisan yang dibuat antara tahun 2006 hingga 2008 untuk pertama kalinya di London. Ini contoh lukisan yang belum terkenal karya seniman terkenal berasal dari karyanya pameran di Koleksi Wallace di London berjudul "No Love Lost." (Tanggal: 12 Oktober 2009 hingga 24 Januari 2010.)
berita BBC mengutip ucapan Hirst.

"Dia sekarang hanya melukis dengan tangan", yang selama dua tahun "lukisannya memalukan dan saya tidak mau siapa pun untuk masuk. "dan bahwa dia" harus belajar kembali melukis untuk pertama kalinya sejak dia remaja seni siswa."¹

Siaran pers yang menyertai pameran Wallace mengatakan:

"'Lukisan Biru' menjadi saksi arah baru yang berani dalam karyanya; serangkaian lukisan yang, dalam kata-kata senimannya 'sangat terkait dengan masa lalu.' "

Menempatkan cat di atas kanvas tentu saja merupakan arah baru bagi Hirst dan, ke mana Hirst pergi, siswa seni kemungkinan akan mengikutinya. Lukisan cat minyak bisa menjadi trendi lagi.
Panduan About.com untuk Perjalanan London, Laura Porter, pergi ke pratinjau pers pameran Hirst dan mendapat jawaban untuk satu pertanyaan yang ingin saya ketahui: Pigmen biru apa yang dia gunakan?

Laura diberitahu bahwa "biru Prussia untuk semua kecuali satu dari 25 lukisan, yang berwarna hitam. "Pantas saja warnanya biru gelap membara!
Kritikus seni Adrian Searle dari Penjaga tidak terlalu menyukai lukisan Hirst:

"Paling buruk, gambar Hirst hanya terlihat amatir dan remaja. Sapuan kuasnya tidak memiliki keuletan dan kepanikan yang membuat Anda percaya pada kebohongan pelukis. Dia belum bisa melakukannya. "²

<sub>Sumber:
1 Hirst 'Memberi Binatang Acar', BBC News, 1 Oktober 2009
2. "Lukisan Damien Hirst Sangat Membosankan, "Adrian Searle, Wali, 14 Oktober 2009.</sub>

Artis Terkenal: Antony Gormley

Antony Gormley adalah seniman Inggris yang mungkin paling terkenal dengan patungnya Angel of the North, diresmikan pada tahun 1998. Ia berdiri di Tyneside, timur laut Inggris, di sebuah situs yang dulunya merupakan tambang batu bara, menyambut Anda dengan sayap selebar 54 meter.
Pada bulan Juli 2009, karya seni instalasi Gormley di Alas Keempat di Trafalgar Square di London melihat seorang sukarelawan berdiri selama satu jam di alas tiang, 24 jam sehari, selama 100 hari. Berbeda dengan alas lainnya di Trafalgar Square, alas keempat tepat di luar Galeri Nasional, tidak memiliki patung permanen di atasnya. Beberapa peserta adalah seniman itu sendiri, dan membuat sketsa sudut pandang mereka yang tidak biasa (foto).
Antony Gormley lahir pada tahun 1950, di London. Ia belajar di berbagai perguruan tinggi di Inggris dan Buddhisme di India dan Sri Lanka, sebelum fokus pada seni patung di Sekolah Seni Slade di London antara tahun 1977 dan 1979. Pameran tunggal pertamanya di Galeri Seni Whitechapel pada tahun 1981. Pada tahun 1994 Gormley memenangkan Turner Prize dengan karyanya "Field for the British Isles".
Biografinya tentang miliknya situs web mengatakan:

... Antony Gormley telah merevitalisasi citra manusia dalam seni pahat melalui penyelidikan radikal terhadap tubuh sebagai tempat ingatan dan transformasi, menggunakan tubuhnya sendiri sebagai subjek, alat dan material. Sejak 1990 ia telah memperluas perhatiannya pada kondisi manusia untuk mengeksplorasi tubuh kolektif dan hubungan antara diri sendiri dan orang lain dalam instalasi skala besar ...

Gormley tidak menciptakan tipe figur yang dia lakukan karena dia tidak bisa membuat patung bergaya tradisional. Sebaliknya, dia menikmati perbedaan dan kemampuan yang mereka berikan kepada kita untuk menafsirkannya. Dalam wawancara dengan Waktu¹, dia berkata:

“Patung adat bukan tentang potensi, tapi tentang sesuatu yang sudah lengkap. Mereka memiliki otoritas moral yang menindas daripada kolaboratif. Karya saya mengakui kekosongan mereka. "

^{Sumber:
Antony Gormley, Pria yang Mematahkan Cetakan oleh John-Paul Flintoff, The Times, 2 Maret 2008.}

Pelukis Inggris Kontemporer Terkenal

Dari kiri ke kanan, artis Bob dan Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake, dan Alison Watt.
Kesempatannya adalah melihat lukisan itu Diana dan Actaeon oleh Titian (tak terlihat, ke kiri) di Galeri Nasional di London, dengan tujuan mengumpulkan dana untuk membeli lukisan untuk galeri tersebut.

Artis Terkenal: Lee Krasner dan Jackson Pollock

Dari dua pelukis ini, Jackson Pollock lebih terkenal daripada Lee Krasner, tetapi tanpa dukungan dan promosi karya seninya, dia mungkin tidak mendapat tempat dalam garis waktu seni yang dia miliki. Keduanya dilukis dengan gaya ekspresionis abstrak. Krasner berjuang untuk mendapatkan pujian kritis, bukan hanya dianggap sebagai istri Pollock. Krasner meninggalkan warisan untuk mendirikan Yayasan Pollock-Krasner, yang memberikan hibah kepada seniman visual.

Tangga Kuda-kuda Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873--1948) adalah seorang seniman Amerika kelahiran Paris yang terkenal dengan lukisan pemandangannya. Dia awalnya dilatih di bawah bimbingan ayah artisnya, Daniel Ridgway Knight. Dia dipamerkan di French Salon untuk pertama kalinya pada tahun 1894 dan terus melakukannya sepanjang hidupnya sambil juga mendapatkan pengakuan di Amerika. Lukisannya The Afterglow dibeli pada tahun 1922 oleh Presiden AS Warren Harding untuk Gedung Putih.
Foto ini dari Arsip Seni Amerika, sayangnya, tidak memberi kami lokasi, tetapi Anda harus berpikir bahwa artis mana pun yang mau mengarungi air dengan tangga kuda-kuda dan catnya sangat didedikasikan untuk mengamati alam atau cukup untuk mengamati pemain sandiwara.

1897: Kelas Seni Wanita

Foto ini dari tahun 1897 dari Arsip Seni Amerika menunjukkan kelas seni wanita dengan instruktur William Merritt Chase. Di era itu, laki-laki dan perempuan mengikuti kelas seni secara terpisah, di mana karena perkembangan zaman, perempuan cukup beruntung bisa mengenyam pendidikan seni.

Art Summer School c. 1900

Siswa seni di kelas musim panas Sekolah Seni Rupa St Paul, Mendota, Minnesota, difoto pada tahun 1900 dengan guru Burt Harwood.
Selain mode, topi matahari besar sangat praktis untuk digunakan melukis di luar ruangan karena mencegah sinar matahari dari mata Anda dan mencegah wajah Anda terbakar matahari (seperti halnya atasan berlengan panjang).

"Kapal Nelson dalam Botol" - Yinka Shonibar

Terkadang skala karya seni yang memberikan dampak dramatis, jauh lebih banyak daripada subjeknya. "Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar adalah salah satu bagiannya.

"Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar adalah kapal setinggi 2,35 meter di dalam botol yang bahkan lebih tinggi. Ini adalah replika kapal induk Wakil Laksamana Nelson, HMS, berskala 1:29 Kemenangan.
"Nelson's Ship in a Bottle" muncul di Fourth Plinth di Trafalgar Square di London pada 24 Mei 2010. The Fourth Plinth berdiri kosong dari tahun 1841 hingga 1999, ketika rangkaian pertama dari karya seni kontemporer yang sedang berlangsung, ditugaskan secara khusus untuk alas oleh Grup Komisioning Kesembilan Keempat.
Karya seni sebelum "Kapal Nelson dalam Botol" adalah One & Other oleh Antony Gormley, di mana orang yang berbeda berdiri di atas alas selama satu jam, sepanjang waktu, selama 100 hari.
Dari 2005 hingga 2007 Anda bisa melihat patung karya Marc Quinn, Alison Lapper Hamil, dan dari November 2007 menjadi Model for a Hotel 2007 oleh Thomas Schutte.
Rancangan batik pada layar "Kapal Nelson dalam Botol" dicetak dengan tangan oleh seniman di atas kanvas, terinspirasi dari kain dari Afrika dan sejarahnya. Botolnya berukuran 5x2,8 meter, terbuat dari bahan perspex bukan kaca, dan bukaan botol cukup besar untuk masuk ke dalam untuk membangun kapal.